O Processo

O resultado foi o que foi até ali; tratava-se sobretudo de começar a andar e seguir em frente. Comecei a próxima.

Desta vez eu queria profundidade, torção e largura. O buraco negro foi posto em ângulo e virou um cinturão de asteroides que desaparecia no horizonte. Mais tons de preto deram mais profundidade. Experimentei um novo fundo. Usei um programa de edição de fotos e fiz negativos das imagens para aprender sobre o padrão.

As pinturas ainda não eram nada de notável, ainda eram sobretudo esboços para a próxima. Tentei girar o buraco negro de novo. Achei que poderia parecer como quando você aperta os olhos diante de uma luz. Como uma cruz e como um universo. O fundo rosa pôde ficar. Aprendi então que o espaço pode ser mais do que o espaço sideral. Que nem sempre faz diferença se você dá zoom para fora ou para dentro.

O passo seguinte foi torcer o cinturão de asteroides em torno do próprio eixo. Pintei-o de lado e ele se parafusa para dentro da pintura. Como uma chapa de metal torcida vista de lado, onde a borda da chapa se estende de canto a canto. Desta vez contra um fundo rosa. Pink Matter.

Pink Matter me levou adiante por eu ter alcançado um efeito de profundidade que eu não havia conseguido antes. Ainda nada de notável como um todo, é claro, mas um passo à frente.

Eu queria ir além da noção de espaço sideral dando zoom em Pink Matter. Falhei e pintei por cima. Virou outra coisa. Percebi então que cada pintura anterior era como um bilhete de lembrete para a próxima. Um ponto de partida para a direção seguinte. Algo para remixar. Gostei de como esta se estende para fora da moldura. Ficou como algo real, em vez de uma fotografia.

Um fracasso repintado, mas ao menos aprendi que a pintura fica plana e artificial se as pedras forem todas do mesmo tamanho com o mesmo espaçamento. Variação!

A planura tinha de ir embora; a continuação para fora da moldura ficaria. Tentei acrescentar uma convexidade ou concavidade tendo elementos maiores no meio. Por algum motivo meti na cabeça mascarar a pintura num padrão semelhante a um delta de rio. Disto eu gostei. A escolha da cor veio depois de eu fotografar o teto e então inverter e editar as cores até ficarem irreconhecíveis. A anterior parecia uma espécie de gaseificação e esta, uma paisagem de refrigerante espumante em água azul-anil.

Num dia de covid uma folha caiu do meu fícus; por acaso acabei segurando-a diante de uma lâmpada forte. Avistei as nervuras da folha, era lindo. Pensei que poderia me levar mais adiante para dentro do orgânico e decidi pintá-la com tinta UV, talvez pudesse dar uma sensação parecida com a da folha contraluz. Pintei sem uma lâmpada UV, pintei no escuro. Aqui tive de confiar no processo e pintar sem retorno visual direto. Gostei; isso me deu a confiança para dar passos cegos maiores entre as pinturas seguintes.

Agora eu queria costurar fundo e primeiro plano, negativo e positivo. A ideia era deixar o negativo ter uma direção; ele pôde se parafusar para dentro em direção ao centro da pintura como se você olhasse para dentro de uma tigela. O positivo e o negativo tornam-se relacionados por ambos terem direção. O fundo agora também ganhou um padrão próprio que recorre no padrão do negativo. Deixei-o também convexo, de modo a costurar os três elementos.

Peguei gosto pela coisa. A pintura anterior tinha algo; provavelmente até virou uma obra de arte. Decidi ver se conseguia levá-la mais longe, tentei dar tantos saltos de fé quantos consegui imaginar para dispor o padrão de fundo e o padrão de primeiro plano por cima e por baixo um do outro ao mesmo tempo. Eu não tinha ideia nenhuma clara de como isso acabaria parecendo; pintei esta no escuro, mas confiei no processo. A pintura pôde se chamar The Process.

Deixei os negativos circularem em torno dos asteroides dando-lhes uma órbita clara o bastante para que o olho, o cérebro e as vísceras preencham por si mesmos o que não é mostrado. Eles viram como cinturões de luas em torno de planetas, ou como fitas de DNA em torno do próprio eixo. Gostei de como a pintura virou um agora. Todas as camadas se sustentam juntas; você já não vê camadas.

Decidi dispor os asteroides numa perspectiva mais dramática chegando muito mais perto na parte de baixo da pintura e deixando-os mais distantes quanto mais alto você lança o olhar sobre a pintura. A cada pintura eu ficava mais meticuloso quanto à relação dos pontos pretos entre si. Nenhum par de pontos deve ter o mesmo tamanho um ao lado do outro. Esta pintura virou minha favorita. Gostei do calor e da direção borbulhante para cima.

Agora eu queria tornar o padrão mais profundo acrescentando dimensões para dentro. Como os pincéis só ficam tão pequenos e minha mão só é tão firme, teve de ser um formato maior. Minhas pinturas levam muito tempo para pintar. Esta ficou em exposição por mais de um ano. Aprendi algo com ela, mas acho que progredi mais num formato menor. Isso também foi uma lição que só pode ser incorporada por meio da experiência.

Fui descuidado com a pintura anterior; não fui meticuloso com cada ponto. Isso apareceu e, sobretudo, foi sentido nos olhos; tive a confirmação de que o diabo mora nos detalhes. Com uma sensação de revanche, decidi ser mais meticuloso do que nunca. Valeu a pena e fiquei muito satisfeito. As árvores não cortam caminho quando crescem.

Até então eu havia me concentrado no padrão e na composição. Depois de uma crítica amorosa da minha irmã, quero ser mais cuidadoso na escolha da cor. Encontrei cores foscas e saturadas num esquema coeso no museu YSL em Marrakech. Além disso, eu tinha o preto mais preto do mundo e o branco mais branco do mundo para o máximo contraste.

As pinturas mais recentes ganharam mais amor no aspecto da cor. Cobre em três estágios. A natureza de Sedona. Neve caindo no deserto. Decidi tentar tornar a próxima mais harmoniosa e profunda, com uma queda mais íngreme para dentro e menos elementos. Menos poderia ser mais. No aspecto da cor eu queria alcançar um jardim, com rosas, terra e grama.